PELICULA FAVORITA
PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Crematorio. Serie de televisión
Jorge Sánchez-Cabezudo (2011) – España
En estas dos últimas décadas se ha vivido una nueva edad de oro con respecto a las series producidas para la televisión. A día de hoy hacer una serie es más rentable que una película, así que cuando las grandes cadenas vieron dónde estaba el filón no dudaron en invertir gran parte de su dinero y todos sus medios logísticos para contratar a los mejores directores, guionistas, productores y actores para conseguir las mayores audiencias posibles. Este fenómeno, que situó a la cabeza de audiencias y beneficios a pequeños canales de televisión de pago como HBO, generó un soplo de aire fresco y de creatividad que se fue extrapolando al resto del mundo. Hoy en día cada vez hay más países productores de series que pueden competir de tú a tú con las series americanas (que ya se han convertido en superproducciones millonarias). España ha conseguido volver a exportar series a otros países, como es el caso de La casa de papel, y ha aumentado considerablemente la producción de series en todas sus cadenas. Pero fue hace una década cuando los responsables de Canal+ quisieron emular el éxito de HBO y produjeron Crematorio, una serie de ocho episodios que se emitieron en el canal de pago con una discreta audiencia. Un año más tarde y a raíz de los premios que recibió de los críticos, la cadena La Sexta compró sus derechos y emitió su primer capítulo, pero al no cumplir las expectativas de audiencia hizo que el resto de la serie fuera emitida en horas intempestivas con lo que a pesar de ser en abierto pocos pudieron disfrutarla en su momento.
Si en su día te perdiste esta magnífica serie, te recomiendo que te hagas con ella, porque en mi opinión es una de las mejores series de «ficción» de la historia de la televisión en España. Las comillas de la palabra ficción están colocadas intencionadamente, porque lamentablemente la realidad supera la ficción y nada que veamos en Crematorio no lo hemos visto en cualquier titular del periódico o cabecera del telediario en los años 90. La serie es una adaptación (bastante libre por cierto) de la novela homónima del escritor Rafael Chirbes, y nos cuenta la historia de la familia Bertomeu, con florecientes negocios en la costa valenciana y encabezada por el implacable Rubén Bertomeu, que es el que maneja con mano firme el conglomerado de empresas que dirige.
Desde el primer momento la serie te engancha, la calidad del producto está por encima de la media, la luminosa fotografía llena de color y calor la pantalla en contraposición a unos personajes fríos y calculadores que siempre intentan salirse con la suya y a cualquier precio. El guion es notable y nos describe perfectamente la situación del país y la personalidad de los principales protagonistas de esta apasionante historia. Los actores no se quedan atrás, destacando por encima de todos ellos y en el papel de Rubén Bertomeu, José Sancho que quizás aquí hace la mejor interpretación de su carrera (lo cual ya es decir mucho). En el terreno musical, como cabecera de la serie se utilizó la canción Cruzando el paraiso de Loquillo. No quiero comentar más sobre Crematorio, prefiero que descubras las intrigas de la familia Bertomeu, que son a la vez un reflejo de la España del pelotazo, y te des cuenta de por qué Crematorio se ha convertido en una serie de culto. Espero que algún día sea reconocida como se merece.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Haz lo que debas
Spike Lee (1989) – Estados Unidos
Aparte del terrible coronavirus, otro de los hechos que ha conmocionado a la opinión pública recientemente fue la brutal detención del ciudadano americano George Floyd, que murió asfixiado a manos de la policía. Este execrable hecho causó, como era de esperar, una reacción ciudadana que manifestó su repulsa en muchísimas concentraciones por todo el país. La muerte de George Floyd fue la llama que encendió la mecha, la gota que colmó el vaso; pero desgraciadamente solo es la punta del iceberg que nos demuestra que la sociedad americana en particular, y la mundial en general, no ha avanzado mucho en los últimos 40 años en el tema del racismo. Y qué mejor ejemplo que una gran película como Haz lo que debas, estrenada justo en el ocaso de la década de los 80, dirigida por Spike Lee y que es un fiel reflejo del día a día en las calles de cualquier suburbio de una gran ciudad.
Mookie, el protagonista de la película, trabaja como repartidor de pizzas en Bedford, su barrio de toda la vida en el distrito de Brooklyn, Nueva York. Es un humilde barrio obrero, un crisol de culturas donde la raza mayoritaria es la negra. A través de Mookie iremos conociendo a unos cuantos y variopintos personajes que habitan por las concurridas calles del barrio. La historia transcurre en medio de un sofocante verano, plasmado perfectamente por el director ayudado además por una tórrida fotografía, en el que el calor parece que trastorna si cabe un poco más la conducta de algunos de sus vecinos hasta que un hecho provocará el caos.
Si bien es cierto que la acción de Haz lo que debas define un período, finales de los 80, y una localización muy exacta, Brooklyn, a excepción de los modelos de coches y el terrible estilismo y moda de aquellos años, pocos registros más han cambiado desde entonces y hasta nuestros días en el país del tío Sam. Comprobaremos cómo el racismo y la pobreza provocan la alienación de toda una generación que sabe que no va a tener una oportunidad de mejorar en su vida simplemente por el color de su piel.
El director Spike Lee, que como cualquier joven de raza negra de su generación sufrió episodios de racismo, nos muestra con gran dinamismo cómo era la vida de un joven negro en un barrio humilde, y retrata con precisión la cultura urbana del momento cuya banda sonora fue sin lugar a dudas el Hip hop, y el grupo musical más relevante de ese género Public Enemy . Curiosamente, el que suscribe, llegó hasta esta película también a través de la música, pero los culpables no fueron Public Enemy, sino el grupo vasco Negu Gorriak, quienes en su primer disco dedicaban su canción «Radio Rahim» precisamente a uno de los personajes de esta película ya que, como a muchos de nosotros, el film les causó un gran impacto. Un impacto que Haz lo que debas te provocará cuando la veas y compruebes que la situación del racismo sigue igual, si no peor, y lo único que ha disminuido desde entonces hasta nuestros días ha sido el tamaño de los reproductores musicales.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
El séptimo sello
Ingmar Bergman (1957) – Suecia
Si miramos hacia atrás en el tiempo podremos comprobar que el ser humano no ha tenido una existencia tranquila en ninguna generación: guerras, catástrofes, plagas, diezmaron a la mayor parte de la población provocando hambre, miseria, muerte y desesperación. Nuestra generación se las prometía muy felices, nos libramos de la Primera Guerra Mundial, de la Segunda y, entre medio, de una cruenta Guerra Civil que partió el país y las familias en dos. Hasta ahora solo podíamos decir que habíamos vivido un par de crisis económicas muy fuertes, así que era extraño que no sucediera nada grave que alterase nuestra rutinaria y, dentro de lo que cabe, placentera existencia.
Y al final ocurrió. En esta época de globalización que vivimos, un virus de nombre Covid-19, cual si fuera una macro empresa, fue derribando fronteras, acabando con la competencia, instalándose por todo el mundo y ejerciendo sobre él su totalitario poder. La profecía se había vuelto a cumplir, nuestra generación está sufriendo los efectos de una pandemia que parece haber cambiado el modo de percibir la realidad en la que vivíamos y vivimos.
Aunque suene fuerte, quizás ha hecho falta una pandemia mundial para que nos demos cuenta de lo importante que son las pequeñas cosas de la vida, el poder estar más cerca de nuestros seres queridos y prestarles más atención, de disfrutar del momento y hacer disfrutar a las demás. Cosas como un beso o un abrazo, habían perdido valor en la era en la que más interconectados estamos gracias a los avances tecnológicos. Nos estábamos convirtiendo en una generación anestesiada, absorta en su burbuja virtual.
Por eso os propongo una película que seguro os va a hacer reflexionar, se trata de El séptimo sello toda una obra maestra del cine. Para mi gusto la mejor obra que dirigió Ingmar Bergman ( y eso ya es mucho decir). El director nos traslada a la Edad Media a mediados del siglo XIV cuando la peste negra asolaba Europa (se calcula que un 60% de la población europea murió a causa de ella). Es entonces cuando el caballero sueco Antonius Blovk y su escudero regresan al continente tras años combatiendo en las Cruzadas y se encuentran con la desolación más absoluta. La muerte campa a sus anchas, tan es así que Antonius la desafía a una partida de ajedrez esperando obtener de ella las respuestas que siempre busca la condición humana.
Con este filosófico y a la vez absurdo argumento, Ingmar Bergman, además de explorar sus demonios personales, la muerte y la existencia de Dios, hace replantearse al espectador otras muchas cosas. Con una gran recreación de lo que podía ser vivir en la Europa de aquellos oscuros años y una espectral fotografía que nos sobrecoge aún más si cabe, nos va presentando diferentes personajes que no son sino metáforas que representan el bien, el mal o la esperanza, por ejemplo. La banda sonora utiliza instrumentos y composiciones medievales que nos envuelven desde el principio en esa neblina gris que parece querer cubrirlo todo y que nos hace perdernos en esta película que te deja sin aliento desde el principio.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Rolling thunder revue: A Bob Dylan story by Martin Scorsese
Martin Scorsese (2019) – Estados Unidos
Para los amantes de la música y el cine ha sido todo un placer volver a reencontrarnos con dos de los más grandes talentos de la historia en ambas especialidades: Bob Dylan y Martin Scorsese. Se trata de un documental que, a pesar de su metraje, nos deja con ganas de más. Y es que Rolling thunder: A Bob Dylan story by Martin Scorsese nos muestra al genio de Minnesota en su estrafalaria gira que recorrió los Estados Unidos de América entre 1975 y 1976, justo cuando se encontraba en el mejor momento de su carrera.
La idea original de Bob Dylan fue hacer un homenaje a los circos ambulantes que recorrían los pequeños pueblos de América. Para ello reclutó a una gran banda de músicos a los que añadió amigos poetas y cómicos en un gran autobús con el que se iban desplazando y tocando en pueblos y lugares con no mucha capacidad. Los habitantes de la comarca se frotaban los ojos incrédulos cuando veían los carteles que anunciaban que Bob Dylan iba a tocar en el club de jubilados esa misma noche. Además, a cada lugar al que iban se sumaban a la troupe otros grandes artistas que vivían por la zona y algunos de ellos continuaban de gira, hasta que llegó un punto en que no había tiempo material para que pudiesen actuar todos ellos. En definitiva, la gira económicamente hablando fue un desastre de principio a fin, y es que Bob Dylan quizás sea el mejor escritor de canciones de la historia del rock, pero como promotor no tiene ningún futuro.
Martin Scorsese con todo el material rescatado de la gira el año 1975, una película de otro proyecto fallido de Bob Dylan grabado en 1978, y escenas ficticias rodadas por el propio Scorsese para hilvanar y dar jugo al documental, nos sumerge de lleno en la América de los 70 y nos deja embelesados contemplando, y sobre todo escuchando con un sonido maravilloso, a un Dylan pletórico y con una banda totalmente engrasada que está a la altura del maestro. Este documental se podía haber convertido en una segunda parte de No direction home en el que el propio Scorsese nos contó los inicios de la carrera musical de Bob Dylan también con maestría. De hecho, en Rolling thunder revue volvemos a ver al Bob Dylan que no quiere mirar atrás, que no se siente representante de nadie ni nada; ese Bob Dylan de extraña personalidad y carácter, que lo mismo se pone a hablar de temas personales o filosóficos con una desconocida o, como reconoce en el documental su guitarrista Mick Ronson, no llega a entablar una conversación con él en los dos años que duró la gira.
Con un montaje efectivo e ideado con inteligencia por Scorsese, se combinan las escenas en directo de los conciertos con imágenes entre bambalinas, entrevistas y otras situaciones con personajes ficticios, aunque basadas en hechos reales, que hacen que la historia no decaiga en ningún momento. Solo con la intensidad con la que Dylan interpreta alguno de los mejores temas de su carrera basta para hacer que este documental sea de obligada visión para cualquier melómano. No podemos olvidarnos de algunos de los miembros de esa banda que reclutó con acierto el tío Bob: la mística violinista Scarlett Rivera, el Byrd Roger McGuinn, el genial guitarrista Mick Ronson, el mítico T-Bone Burnett y, cómo no, la voz de Joan Baez. Por si esto fuera poco también veremos a iconos de los 70 como Patti Smith, Joni Mitchell o el poeta Allen Ginsberg.
Si buscas el rigor histórico, quizás este no sea tu documental, pero si quieres encontrarte en la Casa de Cultura de tu pueblo cara a cara con el mejor Dylan y su banda no lo dudes un segundo, la experiencia merece la pena. Además, en los créditos finales se destapan las partes ficticias.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Dogman
Matteo Garrone (2018) – Italia
El director italiano Matteo Garrone nos vuelve a introducir en los bajos fondos de una Italia podrida como ya hiciera en Gomorra, donde adaptó a la pantalla con maestría la exitosa novela escrita por Roberto Saviano. En esta ocasión la trama se desarrolla en un desolador barrio en el extrarradio de Roma. Allí sobreviven todo tipo de personas con una clara etiqueta de perdedores, en un submundo del que parece imposible salir. Dogman es un relato libre y original creado por Matteo Garrone a partir de un impactante suceso que conmocionó a la Italia de la década de los ochenta. Como la película no se basa en esos hechos, prefiero no contar la historia real que inspiró solo algunas ideas para iniciar el proyecto de Dogman. Así que si queréis conocer el origen que dio pie a la película os aconsejo que lo hagáis por vuestros propios medios después de verla.
El protagonista principal de la película es el afable Marcello, de menuda y frágil complexión física pero de gran corazón. Regenta una peluquería canina y, además de sus perros, el gran amor de su vida es su hija Alida, a la que solo puede ver de vez en cuando ya que la custodia de la niña la tiene la madre desde que están divorciados. Marcello es muy querido en el barrio gracias a su carácter; sus vecinos, todos de origen humilde como él, hacen lo que pueden para ir tirando. Uno de sus amigos, Simone, lo hace casi siempre de manera ilícita y esto ocasionará conflictos en el barrio. ¿Cuál será la posición que tome Marcello? Para eso mejor tendréis que ver Dogman.
La relación entre Marcello y Simone es el eje en torno al que gira toda la película; sus características físicas y psicológicas son un total contrapunto. Al igual que en otros aspectos de la vida de Marcello, la película no nos da pistas sobre cómo llegaron a hacerse amigos, ni cual fue la causa del divorcio con su mujer, quizás con el transcurso de la misma puedas sacar algún tipo de conclusión.
Pero Dogman es mucho más que la historia de Marcello, es una parábola sobre nuestra sociedad de clases tan marcada: nos habla del poder, de la sumisión, del bien y del mal, compara al ser humano con los animales (en este caso los perros, parte importante de esta historia) y la verdad no es que no salimos muy bien parados.
Con una excelente fotografía (en la que abundan los tonos ocres) y una gran localización de exteriores, el barrio marginal pasa a ser otro importante personaje del argumento, y nos envuelve en una atmósfera de decadencia y desesperanza de la que parece difícil salir. La banda sonora acompaña y nos mantiene sumergidos en ese opresivo ambiente. Tan solo la relación entre Marcello y los perros que cuida, y ese símbolo de purificación en el que se convierte el mar cuando se va a bucear con su hija, nos da un poco de respiro en este angustioso thriller que te mantendrá pegado a tu asiento hasta el final.
Cual si fuera una película enmarcada dentro de la corriente del neorrealismo italiano, Dogman evoca ese tipo de cine de los años 50, y lo actualiza a los días que vivimos (como podréis comprobar, la sociedad no ha mejorado mucho en los últimos 70 años), convirtiéndose para el que suscribe en una de las mejores propuestas de los últimos tiempos.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Historia de un matrimonio
Noah Baumbach (2019) – Estados Unidos
Pocas veces el título de una película puede ser tan certero, lo es tanto que incluso la traducción a las carteleras de cine en España ha sido literal (cosa que raras veces ocurre, y que nos alegra sobremanera). Así que lo que vamos a poder ver en esta notable película de Noah Baumbach es la historia de un matrimonio, ni más ni menos, y es que una de las virtudes del filme es no hacer juicios de valor en un tema tan común por desgracia como el divorcio, que tantas veces ha sido tratado por el mundo del cine. El director simplemente nos muestra con sutileza el naufragio de una relación de pareja con un hijo de por medio. Charlie, el marido, es un director de teatro con cierto prestigio y Nicole, su mujer, la actriz principal de su obra, así que han compartido relación laboral y marital todo ese tiempo. Llegados a este punto y aunque se tienen afecto, parece ser que cada vez ven en el otro más cosas que les separan que las que les unen, así que de mutuo acuerdo inician los trámites de un divorcio que parece va a ser poco problemático.
Veremos cómo los sentimientos de culpa, de resquemor, la tristeza y la amargura irán dando paso a las dudas. Después, mientras esas dudas sembrarán la desconfianza, llegará el momento de tomar las decisiones, unas decisiones que para mal o para bien marcarán el resto de sus vidas. Historia de un matrimonio puede extrapolarse a cualquier relación que con el paso de los años se ha ido desgastando hasta llegar a la desintegración absoluta: es en las pequeñas cosas, en los pequeños gestos, donde nos va a mostrar la profundidad del alma humana, sin estridencias, con naturalidad, quizás como la silenciosa rutina que va minando las relaciones de una pareja.
Los actores principales, Scarlett Johansson y Adan Driver, construyen sus personajes con una sobriedad exquisita, y tienen su contrapunto en la apabullante personalidad de la gran Laura Dern en el papel de abogada. La banda sonora también acompaña, cumple con creces su función sin querer destacar por encima de la historia y, atención melómanos, es obra del mítico Randy Newman. También como era de esperar el guión está a la altura. En todos estos apartados la película estuvo nominada en la pasada edición de los Oscars, aunque la única estatuílla que se llevó fue la de mejor actriz secundaria para Laura Dern.
Así que te recomiendo que veas Historias de un matrimonio, una película muy real, muy humana, muy honesta, que refleja con una naturalidad pasmosa los entresijos de las relaciones de pareja, y lo hace de tal manera, que te aseguro que por ella no pasará el tiempo, y dentro de muchos años seguirá tan vigente como hoy en día.
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