AMISTAD
PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Purasangre
Cory Finley (2017) – Estados Unidos
Este mes os presento Purasangre una película que pasó sin pena ni gloria por las salas de cine el verano del 2017. Se trata del debut como director de Cory Finley, que en principio había escrito el guión pensado en que fuese una obra de teatro (de hecho está dividida en cuatro actos), pero al final acabó convirtiéndose en su primer largometraje.
Recordad el nombre de este director porque apunta maneras. Purasangre me pareció un ejercicio de cine diferente que rompe con muchos de los clichés del cine americano por muy independiente que sea. Y eso a pesar de que parece que vas a ver la típica película de adolescentes pijas americanas cuando, nada más comenzar, una de ellas llega a la espectacular mansión de su antigua compañera de clase. Pero nada más lejos de la realidad.
Desde el principio la película adopta un inquietante clima, con una esquizoide banda sonora de tonos disonantes que en ocasiones abruma. El director juega a mostrarnos una leve capa de la personalidad de las protagonistas, ya que ellas no es que sean muy habladoras (aunque cuando lo hacen lanzan dardos envenenados). Hay que estar atento a los gestos, las miradas y las formas de reaccionar de Amanda y Lily; solo con eso tendremos que intentar escudriñar en el interior de sus cerebros para intentar comprender por qué se comportan de esa manera.
A Amanda, que sufrió un grave trauma cuando era más pequeña, le cuesta relacionarse con la gente. Su madre la envía a casa de una antigua amiga con la excusa de que esta le de clases e intentar volver a crear un vínculo afectivo entre ellas. Lily, en cambio, parece la perfecta adolescente americana, aunque también tiene algún problemilla, llamemosle padrastro.
Pero Purasangre está realizada con un notable ejercicio de estilo que desde los encuadres, la fotografía y la cadencia nos va sumergiendo en la vacía existencia de dos jóvenes adolescentes de clase alta para convertirse en una feroz crítica a las, en teoría, familias perfectas burguesas. Nos muestras además la escalofriante y deshumanizada manera de afrontar la vida de la generación de los millennial.
Pinceladas del cine de Michael Haneke o Yorgos Lanthimos, para una comedia negra fría y perturbadora a partes iguales, extraña como sus personajes pero que te sorprenderá, que ya es todo un logro para cualquier estreno del cine actual.
La película por desgracia fue la obra póstuma de Anton Yelchin, un joven y prometedor actor que aunque tiene un papel secundario, da sobradas muestras de su talento. La película se convirtió en un homenaje al malogrado actor que moriría pocos meses después en un desafortunado y absurdo accidente doméstico.
Si tenéis ocasión de verla, aprovechad la ocasión, quizás la emitan un domingo por la tarde en abierto en cualquier canal de nuestra caja tonta. Como ya os he dicho, el envoltorio parece el de una inofensiva película preparada para el consumo rápido de los integrantes de la generación millennial. Estad atentos porque esa tarde no dormiréis siesta.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Beautiful girls
Ted Demme (1996) – Estados Unidos
Hay películas que te marcan para toda la vida: quizás las viste en el momento justo, el día adecuado, quizás removieron cosas en tu interior, quizás te sentiste identificado con alguno de los personajes, o quizás te hicieron seguir pensando durante mucho tiempo después de haberla visto. El caso es que para un servidor Beautiful girls consiguió en su día cumplir sobradamente las expectativas que tenía puestas en ella. Y digo esto porque Beautiful girls venía con la vitola de ser una película del llamado cine independiente americano del momento, una película generacional. Cosas que no son del todo ciertas, principalmente porque la película tenía una fuerte promoción detrás y contaba en el reparto con algún actor de renombre ya en aquella época. No en vano, el director de Beautiful girls, Ted Demme, era sobrino del famoso director ya por entonces Jonathan Demme. Así que contactos y medios para producir la película no le faltaron. Hablar de cine independiente con todo ese apoyo me parece equivocado. Lo de película generacional también me parece una etiqueta que se queda corta para una película de lenguaje universal, que puede indistintamente llegar a una persona tenga la edad que tenga.
El acierto de Ted Demme, que por cierto falleció 6 años después de haber rodado esta película, es saber servirse del gran guión de Scott Rosenberg (quien más tarde volvería a robarnos el corazón con el guión de Alta fidelidad) y aprovecharse de una pléyade de jóvenes aunque sobradamente preparados actores, remarcado todo ello con una banda sonora de lujo que hace que las emociones fluyan más si cabe todavía.
El argumento de la película es bastante manido. Willie regresa a su pueblo para reencontrarse con sus amigos de toda la vida en la típica reunión de antiguos alumnos del instituto. Pero nada más lejos de la realidad, Beautiful girls se convierte en un viaje interior de cada espectador que seguro que en algún momento de su vida ha pasado o pasará por las mismas sensaciones que alguno de sus protagonistas. En esta maravillosa película se funden la nostalgia, las dudas, los sueños de adolescencia, las oportunidades perdidas, el síndrome de Peter Pan, la inmadurez. Y es que al fin y al cabo la vida de cada persona se va reescribiendo día a día según las decisiones que va tomando.
También es de destacar lo fielmente que refleja la película la manera que tienen de afrontar este tipo de situaciones en la vida los hombres y las mujeres. ¿Todavía tenéis dudas de quién sale mejor parado? El título de la película puede darte una buena pista.
Las diferentes personalidades de todos están magníficamente interpretadas por actores de la talla de Timothy Hutton, Uma Thurman, Mira Sorvino, Rosie O’Donnell, Matt Dillon o una jovencísima Natalie Portman que consiguió enamorarnos a todos.
Así que acércate al piano para cantar junto a ellos la mítica canción Sweet Caroline del gran Neil Diamond, te sentirás parte de ese grupo de amigos y de esas Beautiful girls para siempre.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Green book
Peter Farrelly (2018) – Estados Unidos
Pocas veces voy a proponer una película actual oscarizada en esta sección y máxime siendo de nacionalidad estadounidense. Pero cuando todo lo que rodea a una película se cuida y se hace con esmero, el resultado es una notable película que aparte de hacerte pasar un rato agradable en el cine puede aportarte algo más que el típico cine convencional que recibimos desde el país del Tío Sam.
Si después de ver Green book te enteras que el director de la película es Peter Farrelly, directamente no te lo crees: en estos tiempos que corren seguro que lo consideras un fake en toda regla. Pues sí amigo lector, el director de la película es el mismo que dirigió Dos tontos muy tontos, Vaya par de idiotas o Algo pasa con Mary. Aunque personalmente siempre he pensado que estas películas (especialmente las dos primeras) eran algo más que comedias de humor de trazo grueso, y que nos mostraban esa América palurda llena de mediocres, debajo de muchas capas de humor gamberro y barriobajero lleno de clichés. Una América aterradora que quedó oculta entre situaciones tan absurdas como hilarantes.
En fin, con Green book Farrelly cambia de registros, aunque el toque de humor no lo pierde y es uno de los puntos fuertes de esta película basada en hechos reales y ambientada en los estados del sur de norteamérica en los años 60, donde el racismo seguía latiendo con mucha fuerza. La historia, para qué negarlo, es una gran historia. Pero también es verdad que el guión de la película está inteligentemente ideado y que los actores cumplen con su papel de manera magistral, en especial un Viggo Mortensen que está excelso y vuelve a demostrar lo gran actor que es. Curiosamente no se llevó el Oscar, que fue a parar a su compañero de reparto Mahershala Ali.
Así que va a ser todo un placer meternos en el coche que conduce el chófer Tony Lip, un spaghetti criado en las duras calles del Bronx, y Don Shirley, un refinado y virtuoso pianista negro que tiene que embarcarse en una dura gira por el sur en la que la música no va a ser el único motivo del viaje. ¿Os podéis imaginar qué es meter lo blanco y lo negro, el punto y la i, o el ying y el yang en el mismo coche? Pues con la música que pone la radio de la emisora que siempre elige Tony, sus grasientos menús y unos bonitos paisajes, el viaje se os hará más llevadero. Tan llevadero como esta road movie que parece un homenaje al cine clásico y que os hará sentiros bien antes, durante, y después de la misma (aunque esto último no hiciese falta). El siniestro libro verde que da título a la película no es tan inquietante como lo fue en la realidad.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
El Nombre
Alexandre De La Patellière, Matthieu Delaporte (2012) – Francia.
Qué difícil es encontrar en estos tiempos que corren una comedia de calidad en el mundo del cine. Pues bien, en este caso creo que con El Nombre lo hemos conseguido. En un cine francés actual en el que la saturación de comedias “amables” y con poco nivel está a la orden del día, de vez en cuando surge alguna pequeña sorpresa en forma de película, como en este caso. El Nombre es una obra de teatro escrita por Alexandre De La Patellière y Matthieu Delaporte que fue adaptada al cine por ellos mismos y estrenada (con bastante aceptación de la crítica y el público francés) el año 2012.
El argumento de la película es muy sencillo y se desarrolla todo en un mismo escenario: una vivienda donde un grupo de amigos se ha reunido para celebrar que Vincent, uno de ellos, va a ser padre. Entre bromas, y mientras esperan la llegada de Anna, la esposa de Vincent, la respuesta a si ha elegido el nombre del niño va a desatar el caos.
En paralelismo con Un dios salvaje, estrenada un año antes por Román Polansky, la película pone al descubierto las bajezas morales del ser humano, haciéndolo, eso sí, con más humor y menos acidez, pero dándole quizá más credibilidad a los personajes. De las bromas amables, se pasará al humor caústico o al cinismo en cuestión de segundos con una mezcla de ironía y sarcasmo que te hará reír pero también pensar. Se crearán situaciones tan enrevesadas como desternillantes. Como en la vida misma, cada persona es hijo de su padre y de su madre, y cada personaje representa diferentes maneras de ser y de sentir la vida. Durante el transcurso de la película sacarán a relucir sus miserias y nos demostrarán la fragilidad de la personalidad humana, tan cambiante como una veleta en un día ventoso.
También es de destacar la buena fotografía de la película y una realización ágil e inteligente que hace mover la cámara con dinamismo en un lugar tan limitado como es el salón de una casa durante los más de 100 minutos que dura la película.
El guión es notable, al igual que las interpretaciones. Quizás se podía haber contado la historia con menos palabras, y quizás las interpretaciones a veces sean un poco histriónicas, pero la velocidad de los diálogos y los cambios de humor de los actores también contribuyen a que El nombre no sea una obra de teatro monótona trasladada al mundo del cine.
Pocas veces hago esto, pero para los que no les guste ver las películas en versión original, el doblaje al castellano está muy logrado.
En definitiva, os recomiendo ver El Nombre, una comedia que no es una comedia, una obra de teatro que no es una obra de teatro, un drama que no es un drama y un nombre…que enciende la mecha de un gran castillo de fuegos artificiales.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Dersu Uzala (El cazador)
Akira Kurosawa (1975) – URRS
A principios de los 70 Akira Kurosawa no atravesaba su mejor momento, veía cómo cada vez más su país (Japón) le daba la espalda: sus películas eran vapuleadas sin piedad por la crítica y no conseguía financiación para sus nuevos proyectos. Tan mal lo pasó que incluso intentó suicidarse (como buen antepasado de samurai que era). Por fortuna levantó cabeza y consiguió apoyo en Rusia para poder hacer una película. El resultado fue Dersu Uzala (El cazador), una de las mejores películas de la historia del cine.
La película está basada en los cuadernos de viaje del científico y explorador soviético Vladimir Arsenyev, que trabajó como topógrafo para el gobierno ruso entre 1902 y 1907 recorriendo la región de Ussuri, en los confines del Imperio Ruso, unos territorios en la parte más oriental de Siberia que habían sido conquistados a China. En esas prospecciones por la vasta y salvaje región, conoce a Dersú Uzalá un peculiar cazador nómada, tan diminuto de tamaño como grande de corazón, tan ignorante de la civilización como sabio de la vida. Entre ellos surgirá una amistad impensable para dos personajes tan antagónicos cuyas diferencias se acentúan más si tenemos en cuenta que estamos hablando de principios del siglo XX.
Otro actor tan importante en la película como los dos anteriores es la taiga, ese inmenso bosque de coníferas regado por el grande y peligroso río Ussuri. Akira Kurosawa ejerce toda su maestría mostrando la esplendorosa belleza de la taiga y su terrible dureza, que dicta las leyes sobre los seres vivos que habitan su inabarcable extensión durante las diferentes estaciones del año.
En estos tiempos en los que vivimos vertiginosamente en una sociedad en teoría avanzada y llena de comodidades, deberíamos desconectar de ella durante más de 2 horas, las que dura la película, sumergirnos en esta salvaje e intrincada taiga y encontrar a Dersu Uzala. Seguro que él nos enseñaría las pequeñas cosas que nos hacen amar la vida, la naturaleza, al ser humano; seguro que nos ayudaría a encontrarnos a nosotros mismos y a plantearnos si la vida que llevamos debería cambiar, sino de rumbo por lo menos de ritmo.
En mi opinión, Dersu Uzala debería ser de obligado visionado en los colegios. Que no te tire para atrás su duración, ni que haya podido envejecer un poco mal; date un respiro, es más, invita a los tuyos a penetrar en esta selva llena de moralejas camuflada de película de aventuras en la que subyacen valores o reglas universales que el supuesto progreso ha ido enterrando o cambiando a su antojo.
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PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Arrugas.
Ignacio Ferreras (2011) – España
Al parecer, al gobierno en funciones le han bastado 4 años para vaciar la hucha de las pensiones, así que en el caso de que lleguemos a la jubilación, el «retiro dorado» que se imaginan algunos puede convertirse en una auténtica pesadilla. Por si fuera poco, las expectativas para un anciano de hoy en día tampoco son nada halagüeñas, y si no échenle un vistazo a Arrugas, una película de animación dirigida el año 2011 por Ignacio Ferreras, basada en el cómic del mismo título del dibujante Paco Roca, quien por supuesto también participa en la adaptación del guión para el cine.
Arrugas nos cuenta una historia habitual, la de Emilio, un anciano con principio de alzheimer que es ingresado por su hijo en una residencia de ancianos. Allí se encontrará con Miguel, un pícaro y a veces cínico anciano que le presentará a sus nuevos compañeros y le enseñará cómo es el día a día de la residencia.
No nos engañemos, Arrugas es un película de animación para adultos, aunque debería ser de visión obligada en cualquier colegio de enseñanza media. La película trata, en clave humor y con mucha ternura hacia sus personajes, la dureza de ser un anciano a día de hoy. Unos ancianos que sufren la marginación de la sociedad por no ser útiles para la vida diaria y, lo que es más triste, el «abandono» de sus hijos, que por unas cosas u otras han dejado de lado a la personas que cuidaron de ellos una gran parte de sus vidas.
Otros aspectos controvertidos aparecen en la película, por ejemplo el del funcionamiento de las residencias geriátricas, el alzheimer, la eutanasia, o la soledad que sufren los ancianos. A pesar de la dureza de muchos aspectos, el formato animado y un guión con muchos momentos cómicos aligeran (en alguna ocasión quizá demasiado) el desarrollo de la trama.
Arrugas es una proclama a favor de la dignidad, contra el olvido inmerecido y el destierro al que sometemos a nuestros mayores; es un homenaje hacia ellos y a los que algún día llegarán a serlo. También es una celebración de la vida, la amistad y el amor.
Y nos deja un claro aviso de lo que nos puede pasar a nosotros en un futuro no muy lejano si no volvemos al origen de ese respeto ancestral, casi sagrado, que se tenía antes por los mayores, donde la experiencia vivida por nuestros abuelos se convertía siempre en riqueza personal para los hijos y no una carga o un estorbo como en la actualidad.
Vean Arrugas y recapaciten, porque algo estamos haciendo mal.
Accattone.
