PELÍCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
La consagración de la primavera Fernando Franco (2022) – España
Hay directores, como es el caso de Fernando Franco, que no tienen ningún complejo en afrontar temas bastante profundos y escabrosos en sus películas. Ya nos lo demostró en su excepcional debut La herida (2013), cuya temática ponía en primer plano la salud mental, o en su siguiente y también interesante, Morir (2017), cuyo título ya lo dice todo. En esta ocasión vuelve a dejar al espectador clavado en la butaca con su nueva obra La consagración de la primavera.
El tema tratado en este caso sigue siendo igual de peliagudo, la sexualidad y los discapacitados. Me viene a la memoria la también interesante película estadounidense basada en hechos reales, Las sesiones (2012), en la que Helen Hunt realizó un gran trabajo. Eso sí, la personal manera de hacer cine de Fernando Franco hace que La consagración de la primavera aborde el tema desde un prisma y una estética completamente diferentes a las del filme americano.
La película nos cuenta el confuso despertar hacia la madurez de Laura, una chica que acaba de llegar a Madrid a estudiar la carrera de Química, y se encuentra sola y llena de complejos e inseguridades. Una noche en una fiesta conoce por casualidad a David, un chico con parálisis cerebral. Este fortuito encuentro hará que Laura tenga que enfrentarse cara a cara a todos sus miedos.
Y es que el director aborda el tema con sencillez, sin tapujos ni tabúes, y lo que es más importante, sin juzgar a los personajes que aparecen en la película. Hace que esta labor recaiga sobre los espectadores, que tendrán que ver la evolución de los mismos e intentar hacerse una composición de lugar para poder entender el porqué de unas u otras reacciones.
Ya desde el inicio, el filme está lleno de metáforas. Una fortuita rotura del vaso provoca un corte en el labio de Laura y ya nos indica que hay algo resquebrajado en el interior de esa tímida y reservada joven. Poco a poco tendremos que indagar en la psique de la protagonista para intentar comprender el porqué de sus actos. Por el contrario, David parece el contrapunto de Laura, a pesar de su discapacidad (parálisis cerebral), está lleno de vitalidad, de buen humor (negro en muchas ocasiones), y por supuesto de deseo, como cualquier joven de su edad. Telmo Irureta, discapacitado en la vida real, llena la pantalla de vida con su presencia, y este papel le valió el Premio Goya al mejor actor revelación el pasado año.
Merece la pena destacar también la variada banda sonora del filme, que va desde la bachata de los bares de copas, pasando por la música electrónica de las discotecas, al blues clásico de Lead Belly o Bessie Smith (que gran gusto tiene David), y termina con el vanguardista concierto para ballet que creó Igor Stravinsky, y que por supuesto da título y tiene un gran significado para la película.
PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Maudie, el color de la vida.
Aisling Walsh (2016) Canadá-Irlanda
En un género tan trillado como el de los biopics o películas biográficas viene bien descubrir películas como Maudie, el color de la vida, que nos cuenta la vida de Maud Dowley una peculiar pintora canadiense que plasmó su personalidad y su forma de vivir y ver la vida de manera asombrosa en sus coloristas acuarelas. La directora irlandesa Aisling Walsh plasma la vida de Maudie con un montaje y realización sencillo y austero que muestra a la perfección esa visión que la afanosa pintora tenía de la vida y sus vicisitudes, y nos demuestra que no hacen falta grandes personajes históricos para hacer buenas películas.
Porque Maudie, una joven con limitaciones físicas desde su nacimiento, lejos de reprochar algo a la vida nos da una lección al resto de los mortales de lo importante que puede ser saber y querer afrontar la vida con optimismo a pesar de las dificultades. La fenomenal actriz Sally Hawkins borda su papel de Maudie, haciéndonos participes y cómplices de cómo se siente en el avanzar de su vida la menuda pintora, logrando meterse al bolsillo y en la película al espectador desde el primer momento. En el otro lado de la balanza está un correcto (¡que ya es decir!) Ethan Hawke que representa el papel de Everett Lewis,el hosco y troglodita marido de Maudie.
El transcurso de la austera y monótona vida del matrimonio Lewis en la pequeña y cochambrosa cabaña en la que viven rodeados de la naturaleza es retratado por la directora con la misma delicadeza y optimismo con los que Maudie lo hacía en sus acuarelas. Otro punto fuerte de la película es la relación entre Maudie y Everett, tan disfuncional como entrañable, que va evolucionando de una manera sorprendente gracias,como no,a la siempre vitalista y optimista Maudie.
Pero no os engañéis esto no es una película romántica, ni siquiera un biopic del ascenso y caída de un mito. Simplemente es el fiel e inteligente relato de la vida de una mujer con mayúsculas,Maudie Dowley, que tuvo que luchar con una vida llena de dificultades (aparte de las que ya os he adelantado), y no solo las físicas, porque ser mujer en la Canadá rural de principios de siglo tiene bastante mérito de por si, como vais a poder comprobar.
Os recomiendo que conozcáis a Maudie, que tiene en esta película un merecido y noble homenaje. Quizás también descubráis además de una gran mujer a una gran artista.
PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Arrugas.
Ignacio Ferreras (2011) – España
Al parecer, al gobierno en funciones le han bastado 4 años para vaciar la hucha de las pensiones, así que en el caso de que lleguemos a la jubilación, el «retiro dorado» que se imaginan algunos puede convertirse en una auténtica pesadilla. Por si fuera poco, las expectativas para un anciano de hoy en día tampoco son nada halagüeñas, y si no échenle un vistazo a Arrugas, una película de animación dirigida el año 2011 por Ignacio Ferreras, basada en el cómic del mismo título del dibujante Paco Roca, quien por supuesto también participa en la adaptación del guión para el cine.
Arrugas nos cuenta una historia habitual, la de Emilio, un anciano con principio de alzheimer que es ingresado por su hijo en una residencia de ancianos. Allí se encontrará con Miguel, un pícaro y a veces cínico anciano que le presentará a sus nuevos compañeros y le enseñará cómo es el día a día de la residencia.
No nos engañemos, Arrugas es un película de animación para adultos, aunque debería ser de visión obligada en cualquier colegio de enseñanza media. La película trata, en clave humor y con mucha ternura hacia sus personajes, la dureza de ser un anciano a día de hoy. Unos ancianos que sufren la marginación de la sociedad por no ser útiles para la vida diaria y, lo que es más triste, el «abandono» de sus hijos, que por unas cosas u otras han dejado de lado a la personas que cuidaron de ellos una gran parte de sus vidas.
Otros aspectos controvertidos aparecen en la película, por ejemplo el del funcionamiento de las residencias geriátricas, el alzheimer, la eutanasia, o la soledad que sufren los ancianos. A pesar de la dureza de muchos aspectos, el formato animado y un guión con muchos momentos cómicos aligeran (en alguna ocasión quizá demasiado) el desarrollo de la trama.
Arrugas es una proclama a favor de la dignidad, contra el olvido inmerecido y el destierro al que sometemos a nuestros mayores; es un homenaje hacia ellos y a los que algún día llegarán a serlo. También es una celebración de la vida, la amistad y el amor.
Y nos deja un claro aviso de lo que nos puede pasar a nosotros en un futuro no muy lejano si no volvemos al origen de ese respeto ancestral, casi sagrado, que se tenía antes por los mayores, donde la experiencia vivida por nuestros abuelos se convertía siempre en riqueza personal para los hijos y no una carga o un estorbo como en la actualidad.
Vean Arrugas y recapaciten, porque algo estamos haciendo mal.
PELíCULA RECOMENDADA (Artículo incluido en la publicación Compromiso y Cultura)
Bicicleta, cuchara, manzana.
Carles Bosch (2010) – España
Precisamente después de leer el artículo del mes pasado de Yolanda Garcés Royo sobre el Alzheimer, y agradeciendo la labor de la Asociación Los Calatravos, me vino a la cabeza este documental que Carles Bosch realizó sobre el ex-alcalde de Barcelona y ex-presidente de la Generalitat, Pascual Maragall, poco tiempo después de anunciar que padecía dicha enfermedad.
El documental nos cuenta de manera «amable» (por expreso deseo del protagonista) las vivencias de Pascual Maragall y su familia mientras el Alzheimer, lenta pero inexorablemente, va disminuyendo la memoria de tan conocido y respetado político.
Sin entrar a valorar si la película es un homenaje en vida a Pascual Maragall o un espaldarazo publicitario en beneficio de su fundación para la investigación del Alzheimer (un asunto peliagudo después de los desvíos de fondos encontrados en otras fundaciones y sobre todo viendo alguno de los participantes en las reuniones para captar fondos), Bicicleta, cuchara, manzana es un aviso serio sobre la amenaza que se cierne sobre nosotros, ya que está comprobado que una de cada tres personas mayores de 60 años sufrirá Alzheimer y esa cifra aumentará en un futuro no muy lejano.
Descubriremos someramente lo importante que es que el enfermo sea una persona activa y positiva, y que la familia este siempre apoyándolo, ya que el Alzheimer es una enfermedad degenerativa irreversible que, a día de hoy, no tiene cura. También veremos que hay muchos científicos trabajando desde hace muchos años, sin medios y sin descanso, para lograr algún fármaco que pueda ralentizar el avance de la enfermedad o diagnosticarla antes de que esté en una fase avanzada. Y a los que sólo les prestan atención gracias a que un personaje público, como en este caso Pascual Maragall y su fundación, tenga los contactos necesarios para llegar a las altas esferas del poder económico y político y agitar sus conciencias.
Poco se muestra en esta película del dolor que sufren Pascual Maragall y su familia al ver cómo una persona lúcida va perdiendo el norte y la capacidad de poder ser independiente. Nos imaginamos lo duro que es sobrellevar el Alzheimer en una familia con recursos, pero ¿por cuánto hay que multiplicarlo cuando se trata de una familia de clase media o baja?
Parece mentira que a día de hoy tengan que ser personajes públicos los que azoten la conciencia de los políticos y poderosos para que pongan su granito de arena en investigación, cuando actualmente más de un millón doscientas mil personas padecen la enfermedad en España, tercer país con más enfermos de Alzheimer del mundo. Al parecer es más beneficioso saldar la deuda de los bancos con dinero público que ayudar a los millones de familias que sufren y sufrirán los devastadores efectos físicos y psíquicos de esta y otras enfermedades.
Johnny cogió su fusil
Dalton Trumbo (1971) – Estados Unidos
No voy a desvelar nada del argumento de esta película, por dos razones:
Si no la han visto, ni conocen nada de ella, les podría chafar la primera parte de la película y no quiero que eso ocurra. Además, merece la pena pensar en lo que nos quiere contar el director, sin estar sugestionados por mi opinión respecto a lo que nos cuenta.
Lo que sí quiero es ponerles en antecedentes sobre el director. Dalton Trumbo fue encarcelado por el comité de actuaciones anti-americanas, pasó once meses en la cárcel, se exilió a México y bajo seudónimo colaboró como guionista, en películas como Espartaco.
Fue también autor del libro homónimo y guionista de la película que nos ocupa este mes.
Como anécdota curiosa, la película estaba pensada para que la dirigiera Luis Buñuel, que llegó incluso a trabajar en el guion aunque al final no quiso continuar con el proyecto. Hay quien dice que en algunas escenas se puede ver la influencia de Buñuel. Existe un documental dedicado a su persona, Trumbo y la lista negra, realizado por su hijo, que invito a que vean.
En ciertas ocasiones la película se puede perder, parece que divaga, pero siempre vuelve con una bofetada de realidad y dolor, hay veces que el director quiere plasmar de manera realista lo que ocurre en la novela sin utilizar los códigos del cine. Es la única pega que se le puede poner a la dirección. En cuanto a los actores, la interpretación de Donald Sutherland es excepcional.
Se puede considerar que es una verdadera película anti-belicista, por la forma que cuenta lo que ocurre en ella, muy lejos de los edulcorados relatos de Hollywood, como por ejemplo la oscarizada En tierra hostil, más parece un publirreportaje sobre Irak que una película de guerra, cruda, desgarrada y cruel.
Como guiño musical para los seguidores de Metallica, el tema «One», del disco And justice for all, está inspirado en esta película, además en el videoclip musical de «One», aparecen escenas de la misma.
Puedo asegurar que no les va a dejar indiferentes el visionado de esta película, cuenten sus impresiones en los comentarios.
Pues es que últimamente este tipo de películas son las que más me gustan y sobre todo porque se está redescubriendo el noble arte de contar historias, y se puede hacer desde una imaginación desbordante, utilizado materiales ya utilizados (plastilina en este caso), pero aportando un lenguaje visual refrescante, imaginativo y original.
Sí, hemos visto todo tipo de películas, todo tipo de tramas, todo tipo de planos, todo tipo de guiones, pero la originalidad es algo que encuentro, sobre todo, en este tipo de cine. El poder crear un mundo a la medida del director, crear los habitantes de ese mundo y nadar en él, tiene sus ventajas.
Lo que se nos propone en Mary and Max, es una historia donde Mary es una niña que vive en Australia, cuya familia no es ni de lejos modélica y su imaginación le permite evadirse de su realidad. Max, americano y habitante de New York, recibe por casualidad una carta de Mary. Max es un cuarentón solitario, Mary una niña de 8 años. Lo curioso es que tienen muchas cosas en común.
No es una historia fácil, ni bonita, es la visión de una niña de su mundo desestructurado y donde su único amigo y confidente es Max.
Con propuestas como estas, el cine de animación, cada vez más, va buscando ampliar horizontes y encontrar en el público adulto y en esta cinta se consigue, vaya si se consigue.
La originalidad de la propuesta se basa en el mundo que crea el director, la imaginación y cómo evolucionan los sentimientos de Mary, y las consecuencias que sufre Max con cada lectura de sus cartas. Toda la película está narrada en tercera persona, es una voz en off la que nos va conduciendo por las diferentes escenas del film.
Lo único que se le puede achacar al film es que al final tira de sentimentalismo, buscando la lágrima facil, algo que parece gustar mucho en el cine actual. Pero, bueno, es un pequeño borrón que no mancha el lienzo. Además, los golpes de humor negro compensan en gran medida el sentimentalismo final.
Un film muy recomendable, que se hace muy corto a pesar del amargor de la historia.
